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Colegio ECOS. Semana Cultural marzo 2009.

La creatividad.

 

Ponencias: la creación artística.

 

1ª ponencia: 

¿Qué es un artista y qué relevancia tiene el arte hoy día?

Por Antonio Cárdenas, pintor

 

 

El artista es una persona dotada de una hipersensibilidad hacia todo estimulo externo y que a través de su quehacer expresa esa reacción e intenta transmitir esas emociones y pensamientos a los demás.

 

Una obra de arte no es un fenómeno aislado, forma parte de las actividades humanas, y refleja el pensamiento, gusto y sistema de valores del artista, y, con frecuencia, el de la época a que perteneció.

 

El arte es universal, y tan antiguo como la raza humana. Ha habido pueblos primitivos que ni siquiera aprendieron a construirse una casa, y sin embargo han desarrollado un arte propio muy interesante. Jamás hemos descubierto una raza que estuviera desprovista completamente de alguna forma de expresión artística. El arte refleja el periodo en el cual fue creado y es de incalculable valor para comprender la historia de las civilizaciones.

 

Sobre el proceso creativo del artista se ha escrito mucho pero en realidad para él es intuitivo, casi subconsciente. El artista está sobrado de recursos imaginativos ya que tiene especial habilidad para captar y recordar imágenes (hablamos en este caso del artista de artes plásticas o visuales). Cada impresión emocional o visual puede traducirse a una obra – y cuanto mayor es su preparación técnica, mejor podrá presentar esa obra. Es decir, la inspiración del artista sale de sus propias experiencias.

El artista nace---predisposición genética- y se hace estudiando y formándose.

 

Hay muchos supuestas libertades del artista que son un mito. No tiene jefe, ni horario fijo, etc. Pero por otro lado tiene exigencias por parte de galerías y clientes, fechas para exponer, salas adecuadas, etc. Es también importante adecuar su obra al público, o más bien localizar el tipo de público a quienes les puede interesar su obra.

¡¡¡Pero la libertad de desarrollar tu creatividad hasta donde quieras, como quieras y en la dirección que quieras depende de ti y tu esfuerzo!!!!

 

Vivimos en un mundo que nos embrutece  -el abuso de tanta imagen  que recibimos, una auténtica avalancha de imágenes de anuncios, marketing, etc. nos lleva en dirección contraria a la contemplación. No nos detenemos el suficiente tiempo para captar el sentimiento o estado de ánimo que nos quieren transmitir. Todo es muy superficial, cuando la razón de ser del arte estriba en ser el medio de expresión de los planos de profundidad, buscando despertar esos mismos fondos de sentimiento que todos llevamos dentro. Todo ser humano anida un inmenso fondo de interpretaciones y creaciones mentales. Y sacarlos a flote aunque sea esporádicamente a través de cualquiera de las artes contribuye, sin duda, a su estabilidad emocional y por consiguiente a su felicidad.     

               

 

 

 

 

2ª ponencia:

La Técnica de la Acuarela.

Por Jean Marie Chandler.  Pintora.

 

 

El dibujo y la acuarela son las técnicas que más estrechamente se relacionan y reflejan el estado de ánimo del artista. Como técnica requiere una planificación previa, dado que es muy difícil corregir, pero está llena de sorpresas inesperadas por el propio comportamiento e intercambio de los pigmentos, que obligan al pintor a improvisar sobre la marcha.

   

Básicamente son pigmentos solubles en agua y unidos con goma arábiga que producen unos colores con mucha transparencia y luminosidad ¡¡únicos!!

 

La acuarela es la primera técnica del hombre primitivo, que uso pigmentos naturales (de la tierra, plantas, minerales, etc.) mezclados con agua. Los egipcios la empleaban para decorar sus tumbas y templos y crearon las primeras obras sobre papel, o papiro por aquel entonces. Pero tal como conocemos la técnica hoy día, era en Oriente Medio donde crearon los primeros estilos y escuelas. Los chinos y japoneses la emplearon sobre seda o papeles hechos a mano, principalmente paisajes. En India y Persia ilustraron sus escritos con acuarelas y más tarde en la Edad Media  casi todos los manuscritos fueron ilustrados con témpera o acuarelas. A partir de la Edad Media se fabricaban papeles cada vez de más calidad y esto va paralelo con el desarrollo de la acuarela en toda Europa,  pero especialmente en Inglaterra donde gozo de un gran  respeto como técnica.

 

            La acuarela es una técnica apasionante,  no solo por sus colores, que tienen tantos matices, sino porque al ser una técnica húmeda, suelen ocurrir “accidentes” que obligan al artista a utilizar su habilidad para aprovecharlos; incluso con la experiencia, hasta los provoca y aprende a valerse de ellos.  De esta manera el acuarelista nunca se puede aburrir y toma miles de decisiones sobre la marcha en cada cuadro.

 

Temática

 

Después de la técnica se puede hablar del “motivo” o “contenido expresivo” del cuadro. Si un tema cualquiera nos evoca una emoción, o sentimiento noble, o simplemente nos trae recuerdos personales, está cumpliendo el deseo del artista de comunicarse, despertar la sensibilidad en los demás. Además, si en el cuadro hay algo que nos es sobradamente conocido,  pero nos lo hace ver con “nuevos ojos” (algo fuera del contexto donde lo conocíamos, o bañado en una luz cálida, o en una atmosfera especial creada por el artista…. fuera de su contorno habitual) provocará una sensación de “redescubrimiento”.

La pintura es un lenguaje espontáneo y directo,  y un maravilloso medio para provocar la reflexión, despertar emociones y revelar aspectos insospechosos de las cosas dándoles unos valores que nunca hubiéramos esperado.

 

¿Fijaros que tarea más apasionante para el artista, si puede lograr todo esto con  su ensamblaje original de formas y agradables combinaciones de colores  para atraer al ojo!

 

Mis Temas.

 

La temática de mi obra siempre esta relacionada con el estimulo visual que me rodea y experiencias personales. Se trata de elevar un objeto cotidiano o incluso banal para que  forme parte de una composición que transmita un sentimiento mutuo entre artista y observador.

 

Por ejemplo: unos barreños antiguos o unas simples tinajas bañadas en una luz agradable, crean una estética que puede ser fácilmente asimilada por el observador. También pueden servir al artista para expresar el recuerdo o el valor de lo que antes era una vida más sencilla….más entrañable.

 

Un barco en la playa puede ser eso mismo, bien realizado o interpretado: un símbolo de la nostalgia, nobleza; ¡el descanso merecido al final de una vida llena de tribulaciones!

 

Una mesa en el patio bajo un juego de luces y sombras… pero -si te fijas- llena de huellas de haber sido recientemente abandonada por un grupo de amigos tras una larga tertulia de sobremesa.

                                      

En fin, el efecto de contemplar las cosas bajo un aspecto desacostumbrado, como si los vieras por primera vez y preguntándote que habrá querido expresar el artista con este imagen tan fácil de contemplar pero con un trasfondo espiritual ---allí esta el embrujo de un buen cuadro!

 

Consejos para “aficionados”.

 

Hay que hacer pequeños ejercicios para entrenar la vista y la mano; aprender a “ver”, a desarrollar  tu sensibilidad al entorno visual.

 

Experimenta: cada pintor tiene un medio que se adapta mejor para expresarse (según el carácter, las habilidades, la temática,…)

 

Intentar dibujar de todo. Está bien dibujar de la imaginación pero cuanto más sepas de técnica  --más fácil será escoger el medio y mejor podrás usar esos conocimientos a la hora de transmitir los frutos de tu imaginación.

 

¡¡Las limitaciones a tu creatividad solo los pones tu con la falta de recursos técnicos para realizarlos!!

 

¡¡ No olvidar que las formas de nuestro entorno físico y los colores nos los da la luz!!

 

Observa siempre el “efecto” de los colores: fríos que tranquilizan y cálidos que estimulan.

 

Sobre todo, no hace falta ser un artista profesional para disfrutar del arte. Con algo de preparación, cualquiera puede beneficiarse de la contemplación de una obra ¡se ha creado precisamente para su disfrute! Pero si quieres seguir este camino –ya que casi siempre vas a nadar contra corriente—es imprescindible ¡¡Creer en ti mismo!!!

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